A sincronicidade estranha e acidental da indústria cinematográfica nos trouxe filmes duplos de vulcões, filmes duplos de asteróides/cometa, filmes duplos de Pinóquio e filmes duplos de Truman Capote em rápida sucessão, junto com quatro filmes de troca de corpos ao longo de dois anos na década de 1980. Mas “The End”, que estreou no sábado à noite no Telluride Film Festival, pode fazer parte da mais estranha tendência de coincidência cinematográfica de todas: filmes de festivais de cinema que são musicais, mesmo que não haja absolutamente nada no assunto para fazer. você acha que eles deveriam ser.
Primeiro foi “Emilia Perez”, de Jacques Audiard, que causou sensação no Festival de Cinema de Cannes deste ano ao pegar na história de um traficante centro-americano que se submete a uma cirurgia de mudança de sexo e enchê-la de canções. O Festival de Cinema de Veneza foi o próximo com “Joker: Folie à Deux”, que mostra Todd Phillips transformando sua sequência do drama vencedor do Oscar de 2019 “Joker” em um musical, embora Phillips insista que não é um filme. musicalé apenas um filme onde o personagem não consegue se expressar em palavras então ele canta. (Parece muito com a definição de musical para mim, mas tanto faz.)
E agora Joshua Oppenheimer, mais conhecido pelo arrepiante documentário de 2012 “The Act of Killing”, fez sua estreia narrativa com um filme no qual Tilda Swinton, Michael Shannon, George MacKay, Moses Ingram e outros enfrentam o apocalipse em uma mansão subterrânea onde , você adivinhou, eles cantam.
E não, eles não cantam músicas de show para passar o tempo; eles cantam seus pensamentos, substituindo a conversa pela melodia de uma forma que ocasionalmente lembra musicais cantados como “The Umbrellas of Cherbourg”, de Jacques Demy, embora as músicas sejam utilizadas com mais moderação. É uma presunção chocante e às vezes desconcertante, embora o objetivo fique claro: as músicas são um artifício e uma fantasia, assim como a vida que essas pessoas criaram meticulosamente dentro de uma mina de sal abandonada nos piores momentos.
Os detalhes do que os colocou ali são vagos, mas eles estão claramente se escondendo de um mundo que se tornou essencialmente inabitável e bárbaro. A casa deles foi esculpida nas paredes da mina de sal, mas os interiores parecem quartos de uma propriedade luxuosa e antiquada, com obras de arte famosas lutando por espaço em todas as paredes. Todos os confortos de casa estão aqui, neste bunker subterrâneo fortificado que tem um suprimento aparentemente interminável de… bem, tudo que você pode querer ou precisar.
A mãe (Swinton, que também produziu o filme com Oppenheimer e Signe Byrge Sorensen) acorda no meio da noite ofegante de medo, mas lutando para parecer o mais alegre possível; o pai (Shannon) é um ex-magnata da energia que parece nutrir alguma culpa pelo que ele e sua turma fizeram ao planeta; o filho (MacKay, a estrela de “1917”) passou a vida inteira no bunker, o que contribui para sua notável facilidade em construir maquetes de lugares famosos, bem como para sua ingenuidade ocasionalmente chocante. Há uma cozinheira (Bronagh Gallagher), um médico (Lennie James) e um assessor multifuncional (Tim McInnerny).
Porque toda a sua existência é um exercício de negação, a casa é essencialmente um cenário, uma gloriosa farsa. O que está acontecendo dentro dele é uma gigantesca peça de ficção mantida por uma determinação feroz de fingir que está tudo bem.
É um sinal do que está por vir quando o filho começa a manhã exibindo um sorriso insípido e gorjeando: “Eu sabia que esta seria uma manhã perfeita / Ninguém está se mexendo”. Assim como mamãe e papai, ele tende a cantar suas músicas de frente para a câmera, tocando para um público invisível que precisa ficar impressionado com sua existência impecável. Ele e a sua família estão fora do tempo em vários aspectos – e porque existem neste lugar onde nada muda, têm de se convencer de que estão a desfrutar desta existência artificial e intemporal.
Tudo é afetado, estranho, nervoso; há risos, mas são sempre forçados. Você poderia dizer que é estranho quando eles começam a cantar – mas, na verdade, suas conversas à mesa de jantar também parecem estranhas.
Oppenheimer cultiva um ar de pavor desde os quadros iniciais, auxiliado pelo diretor de fotografia russo Mikhail Krichman (“Leviatã”), que deixa sua câmera acariciar os móveis luxuosos – mas são as sombras profundas e agourentas dentro dos túneis de sal que cercam os alojamentos que assombram. o filme inteiro.
E em um desses túneis, a família encontra uma jovem interpretada por Ingram (“O Gambito da Rainha”), que de alguma forma conseguiu entrar no bunker pelo lado de fora, onde sua família lutava para sobreviver. Dizer que ela perturba a dinâmica da família seria um eufemismo, mas é claro que eles tentam não deixar isso transparecer. Em pouco tempo, as relações familiares começam a desgastar-se e tudo começa a desmoronar-se lentamente – não que alguma vez tenha sido realmente mantido unido, exceto pela força da vontade e da ilusão.
Embora os dois filmes não pudessem ser mais diferentes, há uma conexão clara entre o que Oppenheimer faz em “The End” e a maneira como ele explorou poderosamente o mundo da narrativa e do artifício em “The Act of Killing”. Nesse documentário nomeado para um Óscar, os autores dos assassínios em massa na Indonésia na década de 1960 reencenaram os seus crimes e também apresentaram números musicais, com os seus ousados voos de fantasia baseados numa realidade horrível. Em “The End”, a distância ficcional suaviza as coisas, tornando partes do filme audaciosas e outras desconcertantes.
A maioria das músicas de Joshua Schmidt e Marius de Vries não são especialmente memoráveis, mas não foram exatamente projetadas para serem; são monólogos, mais amorfos do que humildes ou viciantes, embora alguns deles (incluindo uma pequena cantiga imponente em que o personagem de Shannon borda alguns detalhes sobre o namoro com sua esposa) consigam se destacar.
Entre o elenco, Bronagh Gallagher, a atriz e musicista irlandesa que cantou pela primeira vez na tela em “The Commitments” em 1991, é a artista mais persuasiva. MacKay é adequadamente hesitante, Shannon faz um trabalho digno de crédito em material que às vezes o força a um falsete comprimido e Swinton é tenso e um pouco estridente – embora o fato de ela ser Tilda Swinton faz com que seja inteiramente plausível que ela cante assim não porque ela seja uma má cantora, mas porque ela decidiu que é assim que sua personagem deveria soar.
Eles cantam, dançam, vestem fantasias extravagantes e fazem espetáculos uns para os outros – mas também discutem, brigam e brigam. Parece que todos se sentem culpados por deixarem as pessoas para trás quando fugiram para o refúgio perfeito. Todo mundo tem medo de ficar sozinho. Todo mundo sabe que a alegria forçada de um baile à fantasia de Ano Novo é ridícula.
Na verdade, o filme também pode ser bastante ridículo, com sua ambição selvagem às vezes parecendo um pouco imprudente. Mas exagerar pode ser o objetivo de “The End”, que oferece uma receita de vida para o fim dos tempos: mantenha a fantasia sob controle enquanto puder. E na dúvida, cante.
“The End” será lançado pela NEON.
